Colorful, el pasaporte de Keiichi Hara al Olimpo de la animación japonesa

“Soy rara, soy muy rara; me estoy volviendo loca. Me encantan las cosas bonitas pero a veces lo único que quiero es hacerlas pedazos. Estoy hecha un lío, soy muy rara. ¡Me estoy volviendo loca! – Tranquila, eso nos pasa a todos. No eres tú sola. - ¿Eh? - En este mundo, como en el Más Allá, las personas, los ángeles… todos somos raros. Estar hecha un lío o volverse loco es lo más normal. - Entonces, ¿no soy la única que, a veces, siente la necesidad de ser cruel? - Eso nos pasa a todos… a todo el mundo. La gente no se compone de un solo color, sino de muchos diferentes. No hay nada de malo en eso. Colores bonitos y colores feos. - ¿En serio? – Eso es. Y eso me incluye a mí. No sabía cuáles eran mis verdaderos colores y he estado perdido todo este tiempo”.

La primera vez que oí hablar de Colorful, se produjo cuando analicé la película de Kari-gurashi no Arietti y la idea preconcebida que tenía de la misma era muy difícil de empeorar. El hecho de que no hubiese forma de obtener ningún tipo de información sobre ella y la presencia de un sello como el de SUNRISE metido en su producción, me impulsó a pensar que estaba en realidad ante nada menos que una adaptación a la gran pantalla de un ignominioso anime que llevaba su mismo nombre, y del que lo mejor que se podía decir de él era simplemente el silencio.

A pesar de estos recelos, llevaba mucho tiempo con ganas de analizar esta película. Concretamente desde que Jann la mencionó, a mediados del pasado verano, en los comentarios insertados con motivo de la review de From Up To Poppy Hill. Aunque aquél no era precisamente el mejor momento para abordarla debido al mal sabor de boca que me había dejado la nueva abominación de Goro Miyazaki asociada a Ghibli, lo que posiblemente se hubiese traducido en unos resultados desastrosos en el caso de que procediese a reseñarla.

Pero hoy por fin, en plena vorágine de un Viernes Santo, consideré particularmente oportuno proceder a ello merced a su consabido carácter teológico y sus numerosas reflexiones acerca de la existencia humana, la dimensión del pecado y el papel salvador de Dios a la hora de impedir que un alma acabe directamente en el Infierno merced a un error plenamente subsanable. Por lo tanto y preparándome como siempre para lo peor, como debe estar cualquier analista ante un anime posterior a 2005, intentaremos abordar si está a la altura de las circunstancias, o por el contrario no es más que el enésimo intento de crear un clásico nipón intemporal que queda en simple mediocridad condenada al olvido.

Ani*Kuri15, el collage de genialidades regalado por NHK

Lufia, ascenso de los Siniestros y canto del cisne de SNES en España

“Esta batalla era un juicio para nosotros. - ¿Un juicio? - Que tú existas y puedas hacer resonar la Hoja Doble significa que la gente puede vivir sin los Siniestros. El objetivo de la Hoja Doble es derrotar a los Siniestros; si los derrotas no los necesitas. - ¿Estás diciendo que ya no necesitamos la ayuda de seres superiores? - No. Los humanos todavía necesitan fe y Arek pensó que la Hoja Doble no resonaría en al menos mil años, pero empezó a hacerlo y por eso vine a ti, para ver todo el final con mis propios ojos… y te ayudé más de lo que debería haber hecho. Ni yo sé por qué lo hice. - Esta isla va a caer sobre el continente, tienes que saber alguna manera de detenerla. - Sí, pero no te la puedo decir. - ¿Por qué? - Porque yo soy la Muerte”.

Últimamente estoy resolviendo todas las asignaturas pendientes que desde hace demasiados años arrastraba en todo lo que a videojuegos se refiere. Es más, en el momento en el que comencé a analizar esta clase de productos en el blog para su reina tenía claro que la tetrarquía del RPG de la SNES PAL (Illusion of Time, Secret of Evermore, Terranigma y Lufia) merecía y debía tener su correspondiente review de forma inexcusable por la indiscutible importancia que tuvo en la implantación del género en España. Y así se hará

Lufia fue el último de todos ellos así como el peor tratado de los mismos, al llegar en un momento en el que la 16 bits de Nintendo llevaba casi un año siendo un cadáver electrónico en beneficio de su sucesora, la N64. Algo que no impidió que la filial de la compañía en nuestro país se atreviese a lanzarlo traduciendo sus textos al castellano y añadiéndole en su portada las siglas “RPG” escritas en rojo y con letras mayúsculas, dándole así la connotación de juego estrella.

Dadas las circunstancias siempre existió en mí la duda de si se trató de una buena idea… De si la gran N había acertado apostando por un juego tan desconocido y procedente de una compañía sin apenas bagaje como éste, en vez de hacerlo por joyas tan ansiadas como Chrono Trigger o Final Fantasy VI (difícilmente importables debido a sus desavenencias en aquellos años por la entonces “SquareSoft”) o Dragon Quest VI y Tales of Phantasia, con los que no existía pretexto alguno. Hoy, definitivamente, intentaré dar una respuesta a esa incógnita.

A letter to Momo, o cómo destruir Production I.G en menos de dos horas

“Querido papá, estoy bien. Siento mucho haberte dicho esas cosas tan terribles e hirientes aquel día. Siempre quise disculparme por ello. Los tres espíritus salvaron a mamá; agradéceselo de mi parte. Probablemente tengas otra forma en este momento, pero quiero decirte que viviré a tope junto a mamá, así que por favor cuida siempre de nosotras, incluso ante la menor preocupación. A mi querido papá, Momo”

Últimamente pienso que ser un otaku acarrea implícitamente ser masoquista. Es increíble comprobar cómo cada vez que creo que es imposible empeorar la calidad de los productos nacidos en el Imperio del Sol naciente, sus estudios consiguen caer todavía más bajo y terminar por convertir lo que eran bodrios apenas unos años atrás, en auténticos clásicos en comparación con sus nuevas ocurrencias.

Nunca he ocultado que el manganime empeora con los años y que los extremos a los que más o menos se llegaron en las series de 2010 resultan dramáticos, aunque esta cruda realidad alcanza también a los largometrajes del género. De hecho, sólo una de las películas de la temporada pasada, Buddha: The Great Departure, era digna de salvarse de la quema. El resto fueron simples bazofias cuya simple contemplación constituía un auténtico castigo divino y que llevó el significado de la palabra “tedio” hasta unos límites que yo por lo menos desconocía.

Fue por ello por lo que cuando vi el primer trailer de esta cinta, a pesar de la buena acogida que tuvo entre los aficionados al género, lo hice con toda clase de reservas por parecerme particularmente anodino lo que en él se mostraba, merced a su extraña propuesta: una mezcla de historia soporífera ambientada en el Japón más intrascendente con la rocambolesca manía de ciertos autores orientales de retratar en sus narraciones el lado más desagradable y antihigiénico de sus criaturas mitológicas. Un hecho a pesar del cual me hice con el film cuando por fin estaba disponible en formato doméstico y hoy, por fin, procedo a analizarlo. Veamos si mi intuición se equivocó en su momento o no.

Wolf’s Rain, el pilar sobre el que BONES consolidó su imperio de animación

No existe un lugar que pueda llamarse “Paraíso” y no hay nada en el fin del Mundo. No importa lo mucho que camine, el camino continúa y continúa. Pero incluso así, ¿por qué siempre tengo el mismo deseo? Puedo escuchar a alguien diciéndome “Aspiras al Paraíso”

Ya lo avisé en su momento. Simplemente me niego a comentar animes contemporáneos por razones que no voy a repetir pero que se resumen en el velado interés por parte de los estudios nipones de convertir el género que les dio la fama en una vulgar exhibición de frivolidades y mamarrachadas varias con forma de colegialas de gran interés para las compañías de merchandising, pero de corrosivas repercusiones para todo lo que un día llegó a significar la animación oriental. Tal vez por ello, y de un modo verdaderamente accidental, tomé la determinación de analizar una de las series clásicas que más me han llegado a solicitar a lo largo de los años por ser de uso habitual por mi parte para ilustrar tanto mis posts de temática Off-Topic como mis portadas de Facebook y Twitter, así como por un motivo tan evidente como mi apodo.

Hablo cómo no de “Wolf’s Rain”. Una apuesta que en su día me dejó un tanto frío pero a la que el desolador panorama que en relación al manganime nos tortura en los últimos años, ha hecho que rescate de mi estantería para hacerla objeto de un pequeño reportaje debido a la objetiva importancia histórica que en la misma reside. Muy especialmente esto último por hacer que toda una generación de otakus, entre los que se encuentra un humilde servidor, oyésemos hablar por primera vez de un estudio llamado BONES y que serviría como auténtica carta de presentación para las maravillas que posteriormente nos regalarían y con una palpable declaración de principios de cara al futuro que subyacía en el interior de su trama.

Por tanto, no me voy a entretener más y procederé a entrar de lleno en esta particular distopía que regaló al género alguno de los diseños de personajes más recordados de la Historia y que a día de hoy puede considerarse toda una serie de culto, a pesar de ciertas críticas que en su día recibió y que a lo largo de las próximas líneas intentaremos escudriñar.